En el contexto de la Resolución del XIV Congreso del Partido que identifica la cultura y las personas como los recursos endógenos más importantes del desarrollo, el campo de las artes escénicas, especialmente el ballet, se enfrenta a una nueva oportunidad para transformarse.
Las orientaciones que enfatizan el desarrollo de la industria cultural, la mejora de la calidad del arte y el cuidado del equipo de artistas no solo abren expectativas para un mercado creativo dinámico, sino que también plantean el requisito de un cambio fundamental en el mecanismo operativo y las políticas de remuneración.
En los últimos años, el Teatro de Ópera y Ballet de Vietnam ha demostrado su iniciativa para armonizar con esta tendencia.
Una serie de obras a gran escala como "Hồ Thiên Nga" o "Dó" están elaboradamente escenificadas, mostrando claramente los esfuerzos para mejorar el nivel profesional y acercarse a los estándares internacionales.
No solo se detienen en el factor técnico, sino que las obras también prestan más atención a la narración, la estética escénica y la experiencia del público, elementos centrales de la industria cultural moderna.
Según el Artista Meritorio Phan Luong - Jefe de la Compañía de Danza, Teatro de Música y Danza de Vietnam - la puesta en escena de una obra completa suele durar de 4 a 6 meses, incluyendo todo el proceso desde la construcción del guion, la composición musical, el diseño de vestuario hasta la práctica.
Esta es una cadena de trabajo artístico que requiere alta intensidad y una estrecha coordinación intersectorial. "Cuando se tiene un alto nivel de especialización, se pueden crear obras de alta calidad", enfatizó, al tiempo que dijo que el teatro está cooperando activamente con las empresas y promoviendo la comunicación para expandir el público.
Sin embargo, detrás de los logros artísticos hay una realidad preocupante. Aunque las obras alcanzan estándares cada vez más altos, la vida de los artistas de ballet sigue encontrando muchas dificultades. Los bajos ingresos, la gran presión de los ensayos y la corta trayectoria profesional se están convirtiendo en barreras que hacen que no pocos jóvenes duden en seguir este camino.
Según compartió el artista Phan Luong, la tarifa por cada actuación actualmente oscila entre 250.000 y 500.000 VND, mientras que la duración puede durar hasta varias horas con alta intensidad de movimiento.
El esfuerzo y la materia gris se gastan mucho, pero la capacitación es demasiado escasa", dijo. El salario base según el coeficiente tampoco es suficiente para asegurar la vida, lo que obliga a muchos artistas a buscar más trabajo fuera o abandonar la profesión.
Otra dificultad específica es la corta antigüedad. Con el ballet, un tipo que requiere mucha fuerza física y alta técnica, muchos artistas solo pueden actuar al máximo hasta alrededor de los 30-35 años. Posteriormente, la transición profesional carece de una orientación clara. Los mecanismos de apoyo para cambiar a la enseñanza, la gestión u otros puestos en el ecosistema artístico aún no están realmente sincronizados.
La consecuencia es que la escasez de mano de obra es cada vez más evidente. Al implementar grandes proyectos, los teatros se ven obligados a "tomar prestados" más actores de unidades de formación o externas, lo que dificulta garantizar el progreso y la calidad de la práctica. Esta es una paradoja notable: el arte puede alcanzar la cima de la actuación, pero los profesionales aún no pueden vivir de la profesión.
En este contexto, se espera que la Resolución del XIV Congreso cree un punto de inflexión. Centrarse en el desarrollo de la industria cultural no solo amplía el espacio creativo, sino que también promueve la formación de un mercado de arte profesional, donde el valor laboral de los artistas se valora adecuadamente.
Al mismo tiempo, las políticas prioritarias para la formación, el apoyo a artistas especiales y la innovación de las instituciones culturales, si se implementan de manera efectiva, contribuirán a resolver los "cuellos de botella" de larga data.
Antes de la Conferencia Nacional para investigar, estudiar, comprender e implementar la Resolución del XIV Congreso del Partido para las agencias de prensa, editoriales y representantes de artistas e intelectuales prevista para el 8 de abril de 2026, muchos artistas expresaron expectativas claras.
El artista Phan Lương cree que esta es una "motivación muy importante" para que el equipo de artistas, especialmente los jóvenes artistas, se sientan seguros de contribuir a largo plazo. "Si estas políticas se hacen realidad, seguramente crearán un fuerte desarrollo para el campo del arte académico", comentó.
A partir de la práctica operativa, los artistas también propusieron una serie de orientaciones políticas específicas.
En primer lugar, mejorar el régimen de remuneración, incluido el aumento de las remuneraciones por las actuaciones, el ajuste del salario base y la construcción de un mecanismo de ingresos vinculado al mercado.
En segundo lugar, establecer una hoja de ruta clara para la transición profesional de los artistas después de la edad de actuación, a través de programas de reciclaje y conexión laboral en el campo de la educación y la gestión cultural.
Además, es necesario aumentar la inversión en formación y educación estética desde una edad temprana. La introducción de conocimientos sobre ballet, sinfonía o formas de arte académico en las escuelas contribuirá a formar una nueva generación de público, un factor clave para el desarrollo del mercado.
Finalmente, promover la cooperación público-privada y la transformación digital en la promoción y distribución de productos artísticos ayudará a ampliar el espacio de acceso, acercando el ballet al público.
Se puede ver que el ballet vietnamita se encuentra en un punto de inflexión importante. Cuando la orientación política es clara, lo que queda es la velocidad y la eficacia de la implementación.
Si se resuelve el problema de las personas, desde la formación, el trato hasta el desarrollo profesional, entonces los avances en el arte en el pasado no solo se detendrán en logros individuales, sino que pueden convertirse en la base para una industria cultural verdaderamente sostenible.
