La distancia entre el teatro musical y el público vietnamita
El musical combina muchos tipos de actuación, desde canto, actuación hasta danza. Para que una obra funcione por completo, los artistas no solo necesitan una buena voz, sino también procesar diálogos, figuras, emociones e interactuar con sus compañeros de reparto.
Los altos requisitos de mano de obra hacen que los musicales necesiten mucho tiempo de ensayo, un gran equipo creativo y grandes costos de producción. Mientras tanto, la escala de público en Vietnam no es lo suficientemente amplia para que muchas unidades confíen en invertir a largo plazo.
Este es un círculo vicioso. La falta de público hace que los productores sean cautelosos, el número de obras es limitado. Por el contrario, la falta de obras y representaciones frecuentes hace que el público no tenga las condiciones para formar el hábito de ver musicales.
Jay-Thiện Nguyễn, fundador de Impact Theatre Saigon, compartió con el periódico Lao Động que otro obstáculo radica en la percepción del público de este tipo.
Cuando se menciona el musical, muchas personas a menudo lo asocian con "Fantasma del teatro" o "Los miserables". Estas son obras famosas con una estructura musical a gran escala, un espacio de actuación lujoso y una forma de disfrutar ritual.
Al escuchar musicales, la gente suele pensar que la música es buena pero elegante, académica y tiene que entrar en un teatro para experimentar", compartió Jay-Thiện Nguyễn.
Esta noción crea involuntariamente un umbral psicológico. Las personas que nunca han visto pueden pensar que necesitan entender Broadway, tener dominio de idiomas extranjeros o estar familiarizadas con las reglas del teatro para acceder a la obra.
Además de eso, está la pregunta sobre la cercanía de la historia. Muchas obras clásicas están construidas a partir del contexto histórico, social y cultural occidental. Si solo se transfiere el prototipo al escenario sin conexión, el público vietnamita puede admirar la técnica de actuación, pero es difícil encontrar su propia experiencia.
La elección de "Once on this island: El pasado en una isla" muestra los esfuerzos por encontrar un enfoque más suave. La obra cuenta la historia de Ti Moune, una niña huérfana que crece en un pueblo pobre del Caribe. Se enamora de Daniel, un chico de clase alta que tiene que enfrentarse a los prejuicios sociales, las diferencias de estatus y la intervención de los dioses.
La obra ganó el premio Tony y fue puesta en escena en más de 60 países. Sin embargo, el factor importante para el público nuevo no es solo la reputación internacional, sino también la historia de amor, comunidad, pobreza y esfuerzos para luchar contra el destino.
Según Jay-Thiện Nguyễn, el grupo eligió la obra por el ambiente cercano y amigable. Los actores vestían ropa como la gente de la isla, y se animó al público a usar ropa con colores hawaianos.
Esta forma de organización tiene como objetivo reducir la sensación de que los espectadores deben prepararse formalmente para entrar en un espacio artístico extraño. Sin embargo, hacer un musical cercano no significa simplificar los requisitos profesionales.
Una obra solo puede retener al público cuando los actores cantan, bailan y actúan de manera uniforme; la música apoya la historia; la puesta en escena es lo suficientemente clara como para que las personas que no conocen la obra original puedan seguirla. Si solo se basa en la novedad o la interacción, el teatro musical difícilmente crea una comunidad de público sostenible.
Poner al público en el centro de la obra
Una de las direcciones probadas por las unidades es cambiar la relación entre el escenario y el auditorio.
En el modelo tradicional, el público se sienta frente al escenario y observa la historia a través de un lado de la actuación. Esta distancia ayuda al artista a controlar la composición, la iluminación y el punto de visión, pero también coloca al espectador en un papel de recepción relativamente pasivo.
La versión de "Once on this island: Ngày xưa trên một hòn đảo" está organizada según un modelo de escenario redondo de 360 grados. El público se sienta alrededor, mientras que los actores cantan, bailan y cuentan historias justo delante de ellos.
El público será parte de la historia", dijo Jay-Thiện Nguyễn.
El escenario de 360 grados no es simplemente una forma de organizar los asientos. Cuando ya no hay una parte delantera y trasera fija, los actores deben mantener la expresión, la voz y el movimiento en todas direcciones. La distancia cercana también hace que las limitaciones técnicas sean más fáciles de reconocer.
A cambio, los espectadores pueden sentir directamente el movimiento, la respiración y la energía de los actores. La línea entre el mundo ficticio y el auditorio se reduce, en consonancia con una historia que coloca a la comunidad en el centro.
En la puesta en escena anterior, algunos espectadores subieron al escenario y bailaron con los actores. Jay-Thiện Nguyễn considera esto una señal positiva porque los espectadores ya no están fuera de la obra.
Sin embargo, la interacción solo tiene sentido cuando está asociada a la estructura del teatro. Si el público es invitado a participar principalmente para crear ambiente, la obra corre el riesgo de inclinarse hacia la experiencia de entretenimiento que debilita la historia. El director debe definir claramente el momento, el nivel y la función de cada parte de la interacción.
La interpretación de algunas canciones de Broadway en la estación de metro de Ben Thanh también puede verse desde la perspectiva del desarrollo del público, en lugar de una actividad de evento individual.
En el teatro, los artistas se acercan a las personas que han tomado la iniciativa de comprar entradas. En el espacio público, también se encuentran con personas que nunca pensaron que irían a ver un musical. Un pasajero puede detenerse por curiosidad, y luego comenzar a aprender sobre la obra.
Esta es una forma de reducir el riesgo de experiencia para los nuevos espectadores. No tienen que comprar entradas ni dedicar toda una noche a un género desconocido. Solo unos minutos de contacto directo pueden ayudar al público a darse cuenta de que el teatro musical no está tan alejado como se imagina.
Sin embargo, una actuación en la estación de metro solo puede abrir la primera puerta. Para convertir a los espectadores casuales en espectadores regulares, las unidades necesitan tener obras diversas, horarios de actuación estables, información accesible y precios adecuados.
La mayor dificultad sigue siendo construir un ecosistema. El teatro musical necesita actores capacitados en múltiples habilidades, directores que entiendan la estructura musical, músicos, coreógrafos, diseñadores de escenarios y equipos técnicos especializados. Depender de proyectos a corto plazo dificulta que la fuerza laboral mantenga un proceso de formación continuo.
El plan de llevar musicales puramente vietnamitas al escenario de ensayo de Impact Theatre Saigon es, por lo tanto, notable. Este podría ser un paso de presentar Broadway a construir obras que traigan historias, música y psicología vietnamitas.
Pero "puramente vietnamita" no debe entenderse solo como el uso del vietnamita o la colocación de personajes en un contexto nacional. Una obra necesita encontrar un método para que la letra no cree una sensación de tensión, la música se conecte naturalmente con el guion y los problemas sociales se manejen en un lenguaje teatral moderno.
El camino del teatro musical vietnamita sigue siendo estrecho debido a los altos costos, los recursos humanos limitados y el mercado inestable. Llevar el arte a espacios públicos o organizar escenarios de 360 grados puede ayudar a acortar la distancia inicial. Sin embargo, el factor decisivo sigue siendo la capacidad de crear obras lo suficientemente cercanas para que el público se reconozca en ellas, y al mismo tiempo de suficiente calidad para que quieran volver al teatro.
