Identificar correctamente los cuellos de botella no solo es un requisito urgente, sino también una condición previa para que el arte académico se convierta verdaderamente en un pilar en la estrategia de la industria cultural. Un reportero del periódico Lao Dong tuvo una conversación con NSƯT Phan Manh Duc - Director del Teatro de Música y Danza de Vietnam sobre este tema:
Señor, la música, el baile y el teatro son inherentemente formas de arte académico de carácter internacional. La Resolución del XIV Congreso del Partido enfatiza la construcción de una cultura "profunda en identidad nacional", ¿cómo ha resuelto el teatro el problema de la "vietnamización" del arte académico (como usar el ballet y la ópera para contar historias culturales vietnamitas) para que estas obras alcancen los estándares internacionales y contribuyan a construir el sistema de valores del pueblo vietnamita?
- La "vietnamización" del arte académico no es una mezcla mecánica de formas, sino un proceso de contenidoización de la identidad nacional sobre la base del lenguaje artístico internacional. El ballet o la ópera tienen estándares de actuación globales; pero la historia y el sistema de valores que transmite la obra pueden provenir completamente de la historia, la cultura y la gente de Vietnam.
En primer lugar, elegimos temas simbólicos, desde la historia nacional, la literatura clásica hasta la vida contemporánea, donde convergen valores centrales como el patriotismo, el espíritu humanista, el sacrificio y la aspiración a ascender. Sobre esa base, el equipo creativo (coreógrafo, director, músico, diseñador) transforma los materiales folclóricos, como la música tradicional, el lenguaje corporal asiático, el arte, la vestimenta, en la estrecha estructura del Ballet y la Ópera.
En segundo lugar, prestamos especial atención a los estándares profesionales internacionales, desde la formación de artistas de forma sistemática, la cooperación con expertos extranjeros, hasta los procesos de puesta en escena, actuación, diseño de escenarios, iluminación... Esto asegura que la obra no solo sea "vietnamita" en contenido, sino que también cumpla con la calidad técnica del teatro internacional. Finalmente, el objetivo más alto no es solo crear buenas obras, sino contribuir a la formación de un sistema de valores humanos vietnamitas en el nuevo contexto.
Cuando el público ve su propia historia, con estándares morales, aspiraciones e identidad, contada en lenguaje artístico académico, tendrá una empatía más profunda. Así es como el arte académico, aunque internacional, puede convertirse en un medio eficaz para fomentar la identidad y mejorar la vida espiritual social.
El desarrollo de la industria cultural es un gran foco, sin embargo, la ópera o el ballet requieren una inversión extremadamente costosa en orquestas sinfónicas, vestuario y decoración. ¿Qué estrategia tiene el teatro para equilibrar el carácter "académico, exigente con los clientes" y el problema de "ingresos, mercado", llevando el género artístico aristocrático a entrar realmente en la cadena de valor de la industria cultural rentable?
- Determinamos que la cooperación público-privada no es solo una solución financiera, sino también un espacio para aumentar la creatividad. Con obras de carácter "vietnamita" como: "Dó, Đông Hồ" (Ballet), "Huyền diệu Biển", "Cô Sao", "Lá đỏ" (Opera) o de carácter internacional como: "Carmen", "Những người khốn khổ", "La Traviata" (Opera), "Hồ Thiên Nga", "Don Quijote", "Giselle" (Ballet)..., el teatro ha planteado proactivamente el problema desde el principio, que es cómo combinar los estándares académicos con materiales vietnamitas contemporáneos, creando productos que tengan profundidad artística y capacidad para "contar historias" atractivas para el mercado.
Nuestra mayor ventaja son los recursos humanos de alta calidad, desde orquestas sinfónicas, coreógrafos, directores hasta artistas de ópera y ballet, junto con la marca de una unidad líder en artes escénicas académicas. Al participar en la coproducción, el teatro no solo proporciona una fuerza de actuación, sino que también garantiza la marca para todo el proyecto. Este es un factor que los socios privados necesitan mucho al invertir en el campo de la música y el ballet. Paralelamente, participar en la producción o acompañar profesionalmente en los programas de conciertos de otras unidades también nos ayuda a ampliar el espacio creativo, probar nuevos formatos, llegar a un público más amplio sin tener que asumir todos los costos.
Se puede decir que la estrategia del teatro es tomar la creatividad como núcleo, tomar recursos humanos de alta calidad y reputación de marca como palanca, y tomar la cooperación público-privada como mecanismo de operación para convertir las obras académicas en productos verdaderamente valiosos en el mercado de la industria cultural.
El arte del ballet tiene una naturaleza de formación extremadamente dura (generalmente tarda de 10 a 15 años), pero la edad profesional de actuación de alto nivel es muy corta. Desde una perspectiva de gestión, ¿qué preocupaciones y recomendaciones tiene sobre las políticas de trato preferencial, los mecanismos salariales y de bonificación específicos para "retener" a los raros talentos académicos vinculados al teatro estatal?
- La historia del trato preferencial para los artistas académicos hoy en día sigue siendo una gran preocupación. Con la Ópera, la sinfonía o el ballet, el salario base en las unidades públicas sigue siendo bastante bajo; en muchos casos, después de décadas de profesión, los ingresos salariales son solo de alrededor de 5 a 7 millones de VND/mes, los subsidios de actuación tampoco son significativos. Mientras tanto, en comparación con los artistas independientes o los que participan en el mercado del entretenimiento, el nivel de ingresos puede ser muchas veces mayor gracias a la frecuencia de las actuaciones y el carácter comercial.
Lo que vale la pena mencionar es que este es el campo que requiere la formación más estricta. Un músico de sinfonía o ópera suele tardar entre 10 y 15 años en estudiar en un entorno profesional, con una intensidad muy alta. El ballet es aún más duro, tiene que comenzar muy temprano, sacrificándose tanto la forma física como la juventud. Pero la paradoja es que la edad profesional es corta, por ejemplo, el ballet, generalmente solo dura hasta alrededor de 35 a 40 años.
Por lo tanto, esta profesión tiene una característica muy clara: "Formación larga - contribución corta - ingresos no proporcionales". Mientras tanto, los artistas independientes pueden extender el tiempo de actividad y ser más flexibles en los ingresos, por lo que el movimiento de recursos humanos de alta calidad, la fuga de cerebros es algo que ha estado y está sucediendo.
Por lo tanto, en mi opinión, la solución debe verse desde la perspectiva de la edad profesional de los artistas. Además de que el Estado ha realizado cambios y ajustes en el sistema salarial, debemos construir una hoja de ruta profesional a largo plazo, desde la formación - actuación - transición. Después de la etapa alta, los artistas pueden seguir contribuyendo en los roles de enseñanza, coreografía, formación o participar en la producción y creación de nuevos proyectos. En ese momento, la vida profesional no se "corta" sino que se prolonga en profundidad profesional.
Muchas opiniones sugieren que la persistente popularización del arte académico, la mejora del "gusto" de disfrute del público es la forma más sostenible de crear una buena "filtración" estética para la sociedad. ¿Qué piensa sobre esta misión silenciosa pero grandiosa del Teatro en el período 2026 - 2031?
- Cultivar la capacidad de percepción artística del público, especialmente a través de formas académicas, es la forma de construir una "resistencia" cultural de manera sostenible y desde la raíz. Cuando los espectadores son nutridos, acumulan conocimiento, tienen una buena base estética, elegirán activamente los valores, en lugar de verse arrastrados por tendencias fáciles o híbridas.
Para el Teatro de Música y Danza de Vietnam, esta es una misión a largo plazo, de importancia estratégica. El período 2026 - 2031 requiere no solo mantener las actividades de actuación, sino también ampliar el papel de la educación pública, crear más oportunidades de acceso, formar gradualmente hábitos de apreciación del arte en profundidad, especialmente entre los jóvenes. Cuando el teatro desempeña bien este papel, no es solo un espacio de actuación, sino que se convierte en un lugar que contribuye a dar forma a los estándares estéticos para la sociedad de forma natural y sostenible.
